A Simple Intro To The Brain

Introduction

Comparing the Human Brain to a computer processor is not an accurate assumption. The human brain is more advanced then people think.

Brain

Some view the brain as an organ. It is Woody Allen’s second favorite organ. I see the brain as many organs.

The brain has liquid inside which is stored in ventricles.

In diseases these ventricles expand. In schizophrenia and in Alzheimer’s disease, this swelling is due to tissue loss.

Many books have been written on the complexity of the brain.

Illness

Pathology has been seen in the brain in many diseases including Parkinson’s disease, Huntington’s chorea, Alzheimer’s disease, schizophrenia, mental retardation, etc. In multiple sclerosis demylination is seen. Amyotrophic lateral sclerosis is also called Lou Gherig’s disease.

Conclusions

Much more research is needed. The brain has been studied on a cellular level.

The brain is a neuron jungle, but glia are also very important.

This is very controversial, but mental diseases are brain diseases. The brain is made from, repaired by, and fueled by the food that we eat. To ignore this is a mistake.

IMG_8520A Edouard Manet. 1832-1883. Paris. Music in the Tuileries Gardens. Musique dans les jardins des Tuileries. 1862. Londres National Gallery.
human brain
Image by jean louis mazieres
Edouard Manet. 1832-1883. Paris. Music in the Tuileries Gardens. Musique dans les jardins des Tuileries. 1862. Londres National Gallery.

ART MODERNE : INNOVATION ET DIVERSITE

L’Art Moderne, annoncé bien avant le début du 20è siècle par les impressionnistes et les post-impressionnistes, a été un facteur tout à fait remarquable de renouvellement des formes, dans la peinture européenne. Sa caractéristique essentielle est certainement sa volonté d’invention, de changement qui s’exprime en peinture, dans l’emploi des couleurs, dans la recherche d’un nouveau dessin, dans la diversité des thèmes abordés. On peut dire que la civilisation européenne se distingue d’autres grandes civilisations par cette recherche constante, à l’échelle des siècles, de l’innovation. Cela n’a pas été le cas par exemple des civilisations islamiques ou chinoises dont les valeurs ont infiniment plus accordé la priorité à la pérennité et au maintien des traditions. Une fois encore on constate que l’art est un révélateur des valeurs qui animent les sociétés.

Les techniques utilisées par les peintres européens, au cours du 19è siècle, pour créer un art nouveau sont multiples, sauf omission, on peut les recenser ainsi :
"La Peinture Plate" par exemple avec Manet, plus tard Gauguin, Maurice Denis, les Nabis… Cette technique réduit ou supprime les volumes et la perspective et privilégie les lignes. Elle retourne à une esthétique qui était celle de la peinture Byzantine, Romane et Gothique. Avec d’autres thèmes évidemment.
La décomposition de la lumière et des couleurs en taches et en points. Les Impressionnistes. Les Pointillistes
Les couleurs arbitraires ou symboliques. L’artiste s’écarte des couleurs "réelles", celles perçues par l’oeil et le cerveau humain, et invente des couleurs apparemment arbitraires: Gauguin, les Fauves, le symbolisme, le surréalisme … C’est une technique que la peinture romane et gothique avaient mis en pratique très régulièrement.
La valorisation de l’Esquisse. L’esquisse a été pendant des siècles, seulement, ce que son nom indique : une Etude préparatoire à un tableau définitif. Au 19è l’esquisse devient un procédé définitif, terminal, d’expression artistique.
La décomposition de l’espace et des volumes du réel, en lignes et surfaces, plus ou moins synthétiques et significatives. (Cézanne).
La "multiplicité des points de vue" sur un objet ou un sujet. Technique qui cherche à rendre le réel comme si on le regardait, en même temps, depuis plusieurs points de l’espace. (Les Cubistes)

L’Art a toujours été, une manière de rêver le monde réel. Mais les nouvelles techniques de l’Art Moderne, s’éloignent toutes, de manière très intentionnelle,volontariste, de la représentation exacte du réel.
Les peintres tendent à créer un art dans lequel l’interprétation du réel l’emporte sur sa reproduction.
L’artiste "moderne" reproduit le réel mais aussi le rêve et l’invente. Ces tendances ont abouti à l’art non figuratif, autrement appelé l’art abstrait.
Ce renouvellement des formes en peinture est total. Il a apporté de nouvelles possibilités, très intéressantes, et très belles, d’expression artistique.

Il ne faut pas confondre Art Moderne et Art Contemporain. Ils ne recouvrent pas la même période. Ils n’ont pas les mêmes caractéristiques esthétiques ni les mêmes fondements idéologiques.
L’Art Moderne recouvre une période qui va depuis les pré-impressionnistes, vers 1850-60, jusqu’à la seconde guerre mondiale. C’est du moins la périodisation la plus couramment acceptée par les historiens de l’art.
D’autres historiens le font débuter un peu plus tardivement avec les post-impressionnistes et l’art abstrait, vers 1900. La définition la plus large est certainement la meilleure car les impressionnistes sont des artistes pleinement "modernes". Il en est de même du peintre romantique français Eugène Delacroix, ou de William Turner, fantastique novateur, annonciateur de l’impressionnisme et de l’art non figuratif, qui meurt en 1853. Tous deux ont fait de l’esquisse un moyen d’expression artistique privilégié.Les peintres de cette époque sont déjà profondément inspirés par la volonté d’innovation qui caractérise l’Art Moderne. La période de l’Art Moderne, extrêmement dynamique, est d’autre part, autre caractéristique majeure, riche de diversité. Elle s’inscrit tout à fait dans l’histoire de l’art européen. Elle ne renie pas le passé, mais elle est aussi remarquablement créatrice d’oeuvres multiples, inventive de formes tout à fait nouvelles d’expression esthétique.
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L’Art Contemporain est postérieur à 1945. Certains fixent sa naissance dans les années 1950. On peut aussi prétendre, avec quelques raisons, que sa date de naissance, en tout cas idéologique et politique, est la création à New York du Moma par les Rockefeller (1929). Les dates sont bien sûr approximatives et certains peintres comme Picasso ou Miro appartiennent à l’esprit de l’Art Moderne alors qu’ils restent très créatifs après 1945.
En peinture et en sculpture, la diversité fait alors place à une profonde uniformité dissimulée derrière les apparences de l’innovation et même de la provocation. L’explosion d’originalité et de non conformisme qui caractérise l’Art Moderne devient un Système qui se fige dans l’idéologiquement et l’esthétiquement correct. Contrairement à ce qu’il prétend être l’Art Contemporain, officiel, celui qui est installé dans les collections permanentes des musées, est un art figé, académique, épuisé par un système et une obsession : le Nouveau. C’est l’Art de la Table Rase : Rien.

MODERN ART: INNOVATION AND DIVERSITY

Modern Art, announced well before the beginning of the 20th century by the Impressionists and the Post-Impressionists, was a factor quite remarkable for the renewal of forms in European painting. Its essential characteristic is certainly his invention will, his desire for change, expressed in painting, in the use of colors, in the search for a new design, in the diversity of topics. It can be said that European civilization differs from other great civilizations through the constant research, on the scale of centuries, of innovation. This was not the case for example of Islamic and Chinese civilizations whose values have infinitely more given priority to the sustainability and the maintenance of traditions. Once again we see that art is a developer of the values that drive the societies.

The techniques used by European painters during the 19th century to create a new art, are many. Except omission, and we can enumerate:
"The Flat Painting", for example with Manet, Gauguin, Maurice Denis, the Nabis … This technique reduces or removes volumes and perspective and focuses on lines. She returned to an aesthetic that was practiced by the Byzantine painting, Roman and Gothic.
The decomposition of light and color spots and dots. The Impressionists. the pointillist
Arbitrary and symbolic colors. The artist moves away of the colors "real", those perceived by the eye and the human brain, and invents arbitrary colors: Gauguin, the Fauves, symbolism, surrealism … It is a technique that painting Romanesque and Gothic had practiced regularly.
The valorization of the Sketch. The sketch was, for centuries, only what its name indicates: a preparatory study for a final table. In the 19th the sketch becomes a permanent process, terminal, artistic expression.
The decomposition of the space and the real volumes, lines and surfaces, more or less synthetic and significant. (Cezanne).
The "multiplicity of perspectives" on an object. Technique that seeks to make the real, as if you looked at him, at the same time, from several points of space. (The Cubist)

Art has always been a way to dream the real world. But the new techniques of modern art, are moving away all so very intentional, deliberate, of the exact representation of reality.
The painters tend to create an art in which the interpretation of reality trumps its reproduction.
The modern artist is hardly reproduces reality, it’s dream or invent. These trends have resulted in non-figurative art, also called abstract art.
This renewal forms in painting is total. He brought new possibilities of artistic expression.

It should not be confused Modern Art and Contemporary Art. They do not cover the same period. They do not have the same aesthetic characteristics nor the same ideological foundations.
Art Moderne covers a period that goes from pre-Impressionists, to 1850-1860, until the Second World War. This periodization is the most commonly accepted by art historians.
Other historians do start a little later, with the post-impressionist and abstract art, circa 1900. The broadest definition is certainly the best, because Impressionist artists are fully "modern" artists. It is the same of the French Romantic painter Eugene Delacroix and William Turner, innovator fantastic, annunciator of Impressionism and non-figurative art, who died in 1853. Both have made the sketch a way of privileged artistic expression
The painters of this period are already profoundly inspired by the desire for innovation that characterizes Modern art. The period of Modern Art, extremely dynamic, is the other, another major feature, rich in diversity. It fits perfectly in the history of European art. She does not deny the past, but it is also remarkably creative of multiple works, inventive new forms of aesthetic expression.

The Contemporary Art is subsequent to 1945. Some historians establish its birth in the 1950s.
One can also argue, with some reason, that his date of birth in any ideological and political cases, is the creation of the Moma in New York, by the Rockefeller (1929). The dates are of course approximate and certain painters like Picasso or Miro belong to the spirit of the Modern Art, while they remain very creative after 1945.
In painting and sculpture, diversity gives way to a profound uniformity dissimulated behind the appearances of innovation. The explosion of originality and non-conformism that characterizes Modern Art becomes a system that freezes in the ideologically and the aesthetically correct.

In painting and sculpture, diversity gives way to a profound uniformity dissimulated behind the appearances of innovation and even provocation. The explosion of originality and non-conformism that characterizes Modern Art becomes a system that freezes in ideologically and aesthetically correct. Contrary to what it claims is the Contemporary Art, official, one installed in the permanent collections of museums, is a static art, academic, exhausted by a system and an obsession: the New. It is the Art of the Table Rase: Nothing.

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